Le groupe Gehlen, déjà derrière le cinéma Moviemills de Malmedy, va rénover les huit salles du White Cinema, dans la galerie marchande des Docks.

Réputé pour son style grandiloquent et immersif, Iñárritu a souvent adopté des modes de narration et de mise en scène hors-normes. Avant sa comédie mégalomaniaque Digger, retour sur trois prouesses qui ont marqué sa filmographie.

Le 41e Festival International du Film Francophone de Namur (FIFF) se déroulera du 30 septembre au 4 octobre 2026 dans la cité mosane. Retour sur la riche programmation de cette année.

En seulement deux films (Barbare et Évanouis), Zach Cregger s’est imposé comme l’un des auteurs les plus singuliers du cinéma d’horreur contemporain. Jusqu’ici, chacun de ses projets s’articulait autour d’un mystère - le secret tapi dans une cave dans Barbare, l’inexplicable disparition d’une vingtaine d’enfants dans Évanouis - dont la portée et les enjeux étaient rebattus au fil d’une narration sophistiquée.

Récompensé du Grand Prix au dernier Festival de Deauville, The Plague est une plongée lugubre dans les mécanismes du harcèlement adolescent.

Plus que tous les autres arts, le cinéma est propice à la re-création : munis de caméras et épaulés de leurs comédien·nes, de nombreux cinéastes cherchent à reconstituer sur grand écran leurs souvenirs les plus profonds et intimes. C’est le cas de la réalisatrice Sophy Romvari, qui signe avec Blue Heron une plongée semi-autobiographique dans son enfance tumultueuse. Le film suit ainsi l’arrivée d’une famille d’origine hongroise sur l'île de Vancouver, au crépuscule des années 90, à travers le r

Dans On l’appelait Robin des Bois, attendu dans les salles le 26 août, Hugh Jackman incarne un Robin de Loxley désabusé et vieillissant, indigne de sa légende. L’occasion de revenir en profondeur sur l’héritage cinématographique de l’archer le plus célèbre d’Angleterre.

Le film est jubilatoire lorsqu’il cantonne ses créatures à l’arrière-plan, en bordure du cadre, ou tout simplement dans le hors-champ – belle séquence nocturne où un diplodocus frôle la maison des héros et cause un simili tremblement de terre.

une chose est sûre : la disparition soudaine du réalisateur témoigne bien de l’âpreté de la machine hollywoodienne, où un talent prometteur peut s’évanouir du jour au lendemain après un échec. Le cinéaste avait-il vu trop grand dès son troisième film ? Peut-être. Toujours est-il que David Robert Mitchell semble faire son retour par la grande porte avec The End of Oak Street.

On aurait pu croire que le triomphe commercial de Jurassic Park motiverait les autres studios hollywoodiens à prendre le train préhistorique en marche. Après tout, Hollywood suit toujours l’argent : la consécration de Gladiator a provoqué une résurgence du péplum au début des années 2000 tandis que le succès d’Harry Potter a lancé la mode des adaptations de romans jeunesse de fantasy. Pourtant, à quelques rares exceptions près, le film n’a eu pour descendance que ses propres suites.

Il y a un cœur qui bat sous la machine hollywoodienne, mais il est parfois bien caché par l’armature en métal. Brand New Day souffre ainsi des éternels tares du MCU, avec une colorimétrie assez terne, des incohérences d’écriture et des scènes d’action sous-exploitées - même si, là aussi, Destin Daniel Cretton réalise un travail plus convaincant que Jon Watts.

Avec sa direction artistique superbement décatie, sa science du suspense et sa pléthore d’apparitions monstrueuses, Hokum s’impose sans mal comme l’opus le plus généreux du cinéaste, malgré quelques recours abusifs aux jumpscares. La galerie de personnages aussi inhospitaliers que grotesques donne quant à elle une subtile couche d’humour noir à l’ensemble.

Evil Dead est de retour, pour vous jouer un mauvais tour. Réalisé par le talentueux Sébastien Vanicek et co-scénarisé par Florent Bernard, que vaut le sixième opus de la franchise la plus génialement démoniaque d’Hollywood ? Il faut se rendre à l’évidence : la saga Evil Dead telle que l’a conçue Sam Raimi dans les années 80, avec son inventivité cartoonesque et ses performances outrancières, n’existe plus. Depuis le remake sorti en 2013, la franchise a pris un tournant plus premier degré,...

En filmant chaque récit par le point de vue des plantes environnantes - les interactions humaines sont fréquemment reléguées à l’arrière-plan, là où la caméra se focalise sur le monde végétal - Silent Friend replace l’homo sapiens à sa place d’être vivant comme un autre au sein de la biosphère.

Un bol d’air froid qui ne sera pas possible dans toutes les salles en cette période de canicule : certains exploitants ont décidé de fermer temporairement leurs portes. Du presque jamais vu en Belgique.

Même si les salles ne verront finalement pas débarquer The Furious annulé en dernière minute, impossible de passer à côté d'un film d'action mêlant avec brio ses influences pour un résultat si jubilatoire qu'il pourrait prétendre au titre de “film d’arts martiaux ultime”.

Après Une Histoire d’amour et de désir, la cinéaste tunisienne Leyla Bouzid revient avec À Voix basse, le récit d’une jeune femme qui retourne dans son pays natal avec son amante pour l’enterrement de son oncle, décédé mystérieusement. Un long-métrage qui aborde frontalement la pénalisation de l’homosexualité en Tunisie et démontre encore une fois le talent de la cinéaste pour explorer les affres du désir.

À travers Orphan, l'histoire de cet enfant et de son père fantasmé, le cinéaste hongrois dessine la trajectoire de tout un pays, condamné à enterrer une fois pour toutes ses idéaux de révolte, avant de s’enfoncer dans l’obscurité.

Aftersun n’est pas qu’un film sur le deuil, c’est un film sur le mystère. Le long-métrage dépasse rapidement la simple description du chagrin et de la nostalgie pour toucher à quelque chose de plus existentiel. L’absence de tension narrative - la réalisatrice a expliqué avoir retiré la plupart des conflits - ainsi que le rythme flottant donnent la clé de voûte du film : il s’agit moins de raconter des vacances que d’en restituer un portrait fragmenté et subjectif, comme un puzzle dépourvu d’une

La “Guerre des étoiles” a connu de multiples crashs stellaires et l'excitation fébrile s’est dilapidée en soupirs face à la prolifération de productions médiocres issues de l’univers (Solo, Ahsoka, Boba Fett, ou tout simplement la postlogie en elle-même). C’est dans ce contexte plutôt fragile que The Mandalorian and Grogu se dévoile, avec l’objectif clair de rameuter les gens en salles.

Amrum est beaucoup plus intéressant lorsqu’il adopte la forme d’un conte. Pour consoler sa mère, Nanning va rapidement se mettre en quête de pain, de miel, et de beurre, trois denrées rares en temps de guerre. Chacun de ses ingrédients va être l’occasion d’une rencontre et d’une épreuve douloureuse, qui vont forger le caractère du personnage et le confronter au passé peu glorieux de sa famille.

Dans quelques jours, Pierre Salvadori ouvrira le Festival de Cannes avec son dernier film La Vénus électrique. Comédie électrisante, elle s'ajoute à une filmographie riche et variée dont le cinéaste a le secret. Petit aperçu de la carrière d'un artisan de la comédie française dans ce qu'elle peut proposer de mieux.

En adéquation avec l’incessant ressac mémoriel d’Eva qui traverse We Need to Talk About Kevin, la mise en scène de Lynne Ramsay travaille un montage non-linéaire d’une rare virtuosité, où chaque élément devient l’écho aiguisé d'un autre, ouvrant les portes un labyrinthe de sensations aussi magnétique qu’éreintant.

Sous couvert de fantastique burlesque, A Useful Ghost décrit cette Thaïlande capitaliste qui se précipite, quitte à oublier les individus qu’elle broie dans son sillage. Les fantômes s’apparentent alors à un retour du refoulé aussi nécessaire que jubilatoire.