J’ai essayé de ramener du lyrisme et de faire en sorte que la forme du film soit à l'image de la recherche du personnage, à savoir la liberté. Pour moi, ce film pose vraiment cette question: quel est le prix de la liberté?  C'est à la fois dans la vie des personnages mais c'est aussi dans ma démarche de cinéaste que ça se reproduit vu l'état de l'industrie qui est vraiment très dure.

Après Even Lovers Get the Blues et Lola vers la mer, le réalisateur belge signe une adaptation du roman de de Simon Johannin et Capucine Azaviele, faisant jaillir la beauté d’une “vie de merde”.

Le nouveau film d’Anthony Marciano est une très belle surprise, comme le binôme qu’il porte à l’écran. On y découvre un duo Jean-Pascal Zadi/Raphaël Quenard là où on ne l’attendait pas.

Ce très beau titre emprunté à une chanson du musicien brésilien, Tom Zé, est aussi sibyllin qu’évocateur: comme le film de Pedro Pinho, il porte en lui poésie et contradiction. Le réalisateur portugais nous fait le cadeau d’un déplacement et d’une contemplation lyrique qui s’efforce constamment de chercher la complexité. Il scrute les aspérités de ses personnages et filme la rencontre entre eux d’une façon dont il a, seul, le secret.

Le titre Ma frère fait tout de suite sourire, on s’amuse d’un mélange des genres qui bâtardise le langage avec vitalité. Le ton est donné : c’est un film joyeux rythmé par des réparties saillantes.

Les portraits des vrais protagonistes se superposent par moments aux images du film par le biais d’écrans de portables, rendant la frontière du fictif assez poreuse. Ce sont aussi les véritables enregistrements de cet échange qui ponctuent le film.

Miroirs No.°3 porte en lui certaines promesses dès l’ouverture du film: une atmosphère étrange, presque grave s’installe quasiment instantanément. Peu à peu, le film semble même hanté par endroits.

D’abord, il y a ce titre volontairement  agrammatical, qui apparaît en grand, couleur fuschia, sur l’écran. On pourrait y voir une volonté un peu trop soulignée et maladroite de se démarquer ou une manière d’induire d’emblée le caractère singulier du film, d’une tendre et joyeuse exubérance, comme les jeunes qu’il met en scène.  

Filmé à hauteur d’adolescent, Kouté Vwa accompagne Melrick, 13 ans et déjà révolté, depuis la métropole, jusque chez sa grand-mère, outre-Atlantique. Là, il s’interroge sur ce cousin brutalement disparu, dont l’absence marque encore profondément l’entourage.

Aimer perdre peut refroidir de prime abord, ce cinéma-là n’a aucune vocation à séduire.Ici la précarité n’est ni esthétique ni romantique.

La simplicité du film de la réalisatrice Carine Tardieu est justement ce qui lui permet une certaine profondeur.

Le film est engageant dès les premières scènes, notamment par ses couleurs, et la lumière abondante qui inonde l’écran.

C’est dans un voyage spatio-temporel que nous embarque le documentaire de Mati Diop : on va d'un passé sans fin à un présent plein d'avenir.

Avec Soundtrack to a Coup d'État, Johan Grimonprez signe un documentaire riche sur une période dont de nombreux ressorts nous échappent.

Le dernier film de Rose Glass aura fait couler beaucoup d’encre en Belgique, et même jusqu’aux États-Unis, suscitant de vives polémiques.

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