Du Fioul dans les artères, une histoire d'amour désarmante parmi les poids-lourds

NAZA est un film sur l’absence de lumière, au sens propre comme au figuré. Face aux témoignages répétés de soldats racontant qu’ils peuvent pirater n’importe quel téléphone, écouter n’importe quelle conversation et faire exploser un immeuble

« Il n'y a pas de doute qu'il vous arrive quoique ce soit d'exceptionnel. » En 1940, dans une soirée mondaine à Vichy, Henri Marre fait lire ses lignes de main par un homme qui lui prédit un avenir médiocre. Située au début de Notre Salut, la scène a quasiment valeur de note d’intention pour Emmanuel Marre

Julianne Moore interprète Mona, une femme étouffée par sa vie domestique qui rêve de faire ses débuts sur les planches et décroche un rôle dans une comédie musicale locale. Eisenberg dépeint le milieu du théâtre comme une réalité augmentée, enjolivée : les nouveaux compagnons de Mona lui témoignent une bienveillance excessive, et les lieux qu’elles découvrent transpirent une artificialité de conte de fée.

Heart of the Beast : Brad Pitt, son chien, et ses Chimay bleues

On croit souvent connaître Raison et Sentiments avant même de l'avoir lu : une histoire de robes, de bals et d'histoires d'amour dégoulinantes. Le roman réserve pourtant une lucidité presque brutale sur le tiraillement intérieur entre raison et sentiment, sur cette tension que chacun porte en soi entre ce qu'on ressent et ce qu'on choisit d'en faire.

Après Je verrai toujours vos visages (2023), Jeanne Herry revient avec Garance, un film-personnage sur une actrice aux prises avec l’alcoolisme, transcendé par la performance d’Adèle Exarchopoulos.

En seulement deux films (Barbare et Évanouis), Zach Cregger s’est imposé comme l’un des auteurs les plus singuliers du cinéma d’horreur contemporain. Jusqu’ici, chacun de ses projets s’articulait autour d’un mystère - le secret tapi dans une cave dans Barbare, l’inexplicable disparition d’une vingtaine d’enfants dans Évanouis - dont la portée et les enjeux étaient rebattus au fil d’une narration sophistiquée.

Le titre du premier film du comédien Tom Adjibi en tant que réalisateur a de quoi intriguer. Le jeune cinéaste opte pour un dispositif audacieux et s’inscrit dans le genre particulier du mockumentary pour dénoncer avec irrévérence, le manque de représentations sur nos écrans.

Joe (Seth Rogen) et Angela (Olivia Wilde) sont mariés depuis longtemps. Trop longtemps ? C’est la question posée par L’Invitation, qui le temps d’une soirée entre voisins aborde le couple en général à travers ces couples en particulier.

Récompensé du Grand Prix au dernier Festival de Deauville, The Plague est une plongée lugubre dans les mécanismes du harcèlement adolescent.

Avec son deuxième long-métrage, Charline Bourgeois-Tacquet brosse le portrait d'une cinquantenaire en mouvement perpétuel. Le récit, découpé en onze chapitres, invite à assembler les volets intimes et professionnels, en miroir du métier de sa protagoniste, une chirurgienne reconstructrice du visage, brillamment interprétée par Léa Drucker.

Bunker, nouveau film de Florian Zeller (The Father) présenté en compétition à la Mostra de Venise 2026, fait une promesse alléchante : brasser certains des enjeux les plus préoccupants de notre époque contemporaine (l’éco-anxiété, la fracture sociale, le pouvoir nocif des patrons de la tech) et les traiter sous la forme d’un thriller léché.

Une crise de sanglots ponctuée d’éclats de rire : tel est l’effet d’un film de Martin McDonagh. De Bons baisers de Bruges à Three Billboards, le cinéaste a développé en une poignée de projets un ton inimitable, qui entremêle brillamment humour noir, tragédie et verve politiquement incorrecte.

Peut-on vraiment ressusciter une magie vieille de vingt-huit ans ? À moitié, semble répondre Les Ensorceleuses 2

Juin 1944. Trois jours avant le débarquement sur les plages de Normandie, une équipe de météorologues travaille dans le plus grand secret pour donner le feu vert aux troupes alliées. A sa tête, le professeur James Stagg (Andrew Scott), spécialiste reconnu, refuse de se plier à la pression militaire. Ses conclusions sont sans appel : le jour J doit être repoussé.

Au XVIIe siècle, un soldat défiguré ayant survécu à la Guerre de Trente Ans débarque dans un petit village protestant, et s’installe sur un terrain dont il affirme être l’héritier. Les paysans du coin se montrent initialement suspicieux, mais le nouveau venu s’attire leur respect en tuant un ours : quoi de plus viril ? Peu à peu, il se crée une place de choix dans la communauté. Sauf que, nous dit-on dans l’introduction, “ceci est le récit d’une imposture”. Ce soldat mystérie

Et si ce qui vous effrayait le plus était votre plus grand désir ? Dans une petite communauté religieuse australienne, Naim et Ryan tentent de vivre leur histoire d’amour naissante loin des regards. Un quotidien déjà compliqué… qui vire au cauchemar lorsqu'ils sont forcés par leurs proches de participer à un rituel de conversion. De cette prétendue thérapie naît alors une étrange entité, bien décidée à les terroriser.

Lui qu’on avait l’habitude de retrouver dans les projets les plus farfelus (Poissonsexe d’Olivier Babinet, Chiennes de vie de Xavier Seron), Jean-Benoît Ugeux aurait-il enfin atteint l’âge mûr ? Visage ancré du cinéma belge, Jean-Benoît Ugeux franchit le mur symbolique du premier long métrage de fiction avec L’Âge mûr. Le cinéaste et comédien s'empare ici du motif de la famille recomposée pour l'ausculter jusqu'à l'os.

David couche avec une inconnue. Le lendemain, il se réveille dans son corps. Vertige. Il faut le reconnaître, L'Inconnue d'Arthur Harari est une formidable machine à penser. Envisagé avec sérieux, traité sur un mode réaliste, l'argument du body swap, trope chéri de la comédie (Freaky Friday, Échange standard), ouvre un horizon philosophique passionnant : le corps n'est-il qu'une pure surface ? une prison ? un miroir ? Comment délimiter les êtres ? Que devient l'âme, séparée d

Impossible, aujourd’hui, de compter les vies de Robin des Bois au cinéma. Héros populaire issu du folklore anglais, hors-la-loi au grand cœur et défenseur des opprimés, il a été abordé sous une multitude d’angles et incarné de bien des manières : en dessin animé chez Disney, tourné en dérision par Mel Brooks dans Sacré Robin des Bois, revisité par Ridley Scott avec Russell Crowe ou, plus récemment, incarné par Taron Egerton. Et ce ne sont là que quelques exemples.

Pour raconter la vie d'un artiste, les approches au cinéma se ressemblent souvent. Pour certains films, c'est du début à la fin qu'il convient de couvrir, quitte à ne conserver qu'un best of forcément réducteur. D'autres choisissent de s'attarder sur une période : quelques années, quelques mois, voire quelques semaines, pour saisir un passage particulièrement remarquable.

Il ne s’arrête jamais. En mai dernier, le Festival de Cannes n’a pas hébergé un mais bien deux films tout droit sortis de l’esprit nébuleux de Quentin Dupieux. Si Full Phil a mitigé en séance de minuit, c'est bien Le Vertige, programmé en clôture de la Quinzaine des cinéastes, qui a le plus attiré les regards.

Lauréat de la Queer Palm au dernier Festival de Cannes, Teenage Sex and Death at Camp Miasma repense l’identité du cinéma de genre à travers la porosité entre la fiction et le réel.

Le film est jubilatoire lorsqu’il cantonne ses créatures à l’arrière-plan, en bordure du cadre, ou tout simplement dans le hors-champ – belle séquence nocturne où un diplodocus frôle la maison des héros et cause un simili tremblement de terre.

Présenté au festival de Berlin et débarquant dans nos salles mi-août comme une carte postale qu’on n’attendait pas, Sunny Dancer est de ces films, nécessaires, qui racontent la beauté de la vie en quelques moments suspendus hors du temps et des réalités brutes du monde. Des feel good movies qui font du bien, sans pour autant tourner le dos à la fragilité de nos existences. Car c'est bien de cette réalité que Ivy (Bella Ramsey) tente de s'échapper. Pour l’adolescente de 17 ans

Fidèle à ses thèmes de prédilection, Saeed Roustaee fait son retour avec le portrait d’une famille où il démontre à nouveau son grand sens de la mise en scène, malgré quelques excès mélodramatiques.

Il y a un cœur qui bat sous la machine hollywoodienne, mais il est parfois bien caché par l’armature en métal. Brand New Day souffre ainsi des éternels tares du MCU, avec une colorimétrie assez terne, des incohérences d’écriture et des scènes d’action sous-exploitées - même si, là aussi, Destin Daniel Cretton réalise un travail plus convaincant que Jon Watts.

Avec The Christophers, Steven Soderbergh prouve une nouvelle fois que la tension cinématographique peut naître de deux personnes dialoguant dans une pièce. Une véritable prouesse, qui se traduit par un tournage fulgurant de dix-huit jours à Londres couplé à un montage nocturne quasi in situ.

Si la forme est plus que réussie, c’est dans le fond que le bât blesse. Rietland ne veut pas être un énième film policier où le récit n’avance que pour nous permettre d’élucider le crime sordide mettant davantage l’accent sur les suspicions qui s’immiscent. Il cherche à installer une paranoïa ambiante en dépeignant une communauté rurale qui se transforme en un vase clos hanté par le spectre d’une violence dormante. La proposition est intéressante, mais le résultat loin d’être

Avec sa direction artistique superbement décatie, sa science du suspense et sa pléthore d’apparitions monstrueuses, Hokum s’impose sans mal comme l’opus le plus généreux du cinéaste, malgré quelques recours abusifs aux jumpscares. La galerie de personnages aussi inhospitaliers que grotesques donne quant à elle une subtile couche d’humour noir à l’ensemble.

Écrit, produit et réalisé avec un certain degré d’urgence, De la Comédie-Française procède dans un même état d’esprit. C’est le soir de la première pour Nina (Pauline Clément), comédienne propulsée metteuse en scène, et tout va mal, forcément, de son arrivée à la salle Richelieu jusqu’aux dernières minutes avant le spectacle au-dessus duquel plane la menace d’une annulation. Un schéma narratif du chaos très classique, qui donne lieu à certaines scènes plutôt amusantes, mais c

Étonnant sujet que celui de Los Domingos, récit d’émancipation adolescente à rebours des images souvent associées à cette thématique – fêtes débridées, mélodies pop, découverte de la sexualité… Ce qui intéresse Alauda Ruiz de Azúa, réalisatrice de ce portrait d’une jeune fille en construction, c’est la question de la foi et de la vocation. Et comment celle-ci va impacter la structure familiale, par extension.

Relecture à la fois accessible et exigeante, L’Odyssée s’impose ainsi comme un blockbuster d’auteur, dans la continuité des opus précédents de son réalisateur. Un film conciliant la vision intime d’un cinéaste, et les exigences financières d’une production hollywoodienne.

Evil Dead est de retour, pour vous jouer un mauvais tour. Réalisé par le talentueux Sébastien Vanicek et co-scénarisé par Florent Bernard, que vaut le sixième opus de la franchise la plus génialement démoniaque d’Hollywood ? Il faut se rendre à l’évidence : la saga Evil Dead telle que l’a conçue Sam Raimi dans les années 80, avec son inventivité cartoonesque et ses performances outrancières, n’existe plus. Depuis le remake sorti en 2013, la franchise a pris un tournant plus

Loin de l'engourdissement caniculaire, le documentaire contemporain s’inscrit cet été comme une véritable bouffée d’air frais… mais politique. Espace crucial de résistance et de déconstruction, ces trois documentaires à découvrir dans les salles belges nous invitent à à réfléchir, penser et agir dans le monde d’aujourd’hui et de demain.

Avec ce retour forcé au placard, on pourrait craindre à un drame plombant. Mais il n’en est rien. Maspalomas choisit une autre voie : celle d’une comédie douce-amère, où le tragique se frotte sans cesse au comique. Vicente tente de ravaler qui il est, mais son désir, ses réflexes, ses élans de vie finissent toujours par refaire surface.

Profitant de la perte de vitesse des films Marvel, la concurrence du studio DC avait marqué des points en engageant James Gunn, pour renouveler le déploiement chaotique de Batman et ses copains sur le grand écran, L’espoir était permis avec Superman, réalisé par Gunn lui-même. On se serait bien arrêtés là mais la loi d’Hollywood est sans appel, il faut que ça tourne. Place donc à la cousine de Clark Kent, alias Supergirl !

« Le mauvais temps viendra, le beau temps aussi. » Cité par le personnage de Kristen, adolescente californienne passionnée de surf, ce proverbe hawaïen aurait tout aussi bien pu être placé en exergue de In Waves. Adapté d'une bande dessinée autobiographique de AJ Dungo, le premier long-métrage de la réalisatrice française Phuong Mai Nguyen mêle avec brio les premiers émois d'une romance adolescente et le mélodrame crépusculaire.

En filmant chaque récit par le point de vue des plantes environnantes - les interactions humaines sont fréquemment reléguées à l’arrière-plan, là où la caméra se focalise sur le monde végétal - Silent Friend replace l’homo sapiens à sa place d’être vivant comme un autre au sein de la biosphère.

Le premier long-métrage de Nicolas Athané et Marco Nguyen, issu du studio Bobbypills et de UMedia, nous offre une expérience sans concessions, qui sans jamais trahir son propos politique, est indubitablement drôle et profondément grand public.

Même si les salles ne verront finalement pas débarquer The Furious annulé en dernière minute, impossible de passer à côté d'un film d'action mêlant avec brio ses influences pour un résultat si jubilatoire qu'il pourrait prétendre au titre de “film d’arts martiaux ultime”.

On croyait l’histoire Toy Story arrivée à son terme. Souvenez-vous : à la fin du quatrième film, Woody réalisait que son rôle était accompli. Après avoir accompagné Andy puis Bonnie pendant des années, il choisissait de quitter ses amis pour vivre librement et aider les jouets perdus à retrouver une place auprès d’un enfant. Mais ce cinquième volet, quelque peu inattendu, revient pourtant là où tout a commencé : dans une chambre d’enfant. Sauf qu’entre-temps, le monde a chang

Là où la plupart des récits de viol placent le spectateur dans un camp ou dans l’autre, The Good Sister se démarque. Ni du côté de la victime, ni du côté du bourreau, le film épouse les étapes du dilemme moral de Rose. De la sidération à l'action, l'actrice Marie Bloching livre une interprétation juste, faite de doutes, de contradictions et de débordements.

Backrooms nous enveloppe comme un souvenir perdu, à la fois familier et hors d’atteinte. Au milieu de cette étendue sans fin de couloirs jaunis, nous ne pouvons nous empêcher de chercher quelque chose à quoi nous raccrocher. Mais face à l’irrationalité de ces non-lieux, tous nos repères s’effritent et, à mesure que nous nous enfonçons de plus en plus loin, une inquiétude naît tandis que l’atmosphère devient de plus en plus oppressante.

Avec Disclosure Day, Spielberg renoue le dialogue avec ceux qui viennent d’ailleurs dans un monde au bord du précipice. Alors que les Etats-Unis activent le niveau d’urgence Defcon 2 et que les tensions à la frontière coréenne semblent franchir un point de non-retour, une présentatrice de météo (Emily Blunt) et un lanceur d’alerte (Josh O’Connor) s’unissent dans une quête de vérité pour révéler au monde l'existence des aliens.

Adoptant son regard, Toute la beauté et le sang versé (récompensé au dernier festival de Venise du Lion d’Or) est autant la création de Goldin que celle de la réalisatrice du film. Les deux femmes ont d’ailleurs souligné en entretien à quel point l’artiste en est la co-autrice. Fort de sa présence, le documentaire oscille sans cesse entre la femme d’il y a quelques décennies et celle d’aujourd’hui qui se bat pour tous ceux qu’elle a perdus en chemin.

Formellement, Mother’s Baby opère comme un étouffoir. La photographie atmosphérique de Robert Oberrainer écrase Julia dans des cadres larges aux lumières glaciales et finit d’inscrire Mother’s Baby dans une catégorie rare : celle des thrillers psychologiques intimes, à l'efficacité redoutable.

À voix basse est aussi un film intergénérationnel, à travers les liens et les secrets qui lient Lilia avec sa mère (Hiam Abbass) et sa grand-mère, la matriarche Néfissa (Selma Baccar). Allant d’une génération à l’autre, et du passé au présent, ce film à la force tranquille tisse un récit porteur d’espoir : celui d’un futur débarrassé des secrets, où chacun(e) est libre d’aimer, et de le clamer à voix haute.

La première partie de La Bataille de Gaulle tient moins de la fresque historique que du nouvel opus d’une saga de super-héros, si ce n’est que les costumes colorés ont été remplacés par des uniformes militaires plus austères. En ressort un blockbuster divertissant sur un fond historique romancé et convenu, qui ne bouscule jamais vraiment ses grandes figures, et dont la forme trop sage ne parvient pas à masquer les faiblesses narratives du récit.