Lauréat de la Queer Palm au dernier Festival de Cannes, Teenage Sex and Death at Camp Miasma repense l’identité du cinéma de genre à travers la porosité entre la fiction et le réel.

Le film est jubilatoire lorsqu’il cantonne ses créatures à l’arrière-plan, en bordure du cadre, ou tout simplement dans le hors-champ – belle séquence nocturne où un diplodocus frôle la maison des héros et cause un simili tremblement de terre.

Présenté au festival de Berlin et débarquant dans nos salles mi-août comme une carte postale qu’on n’attendait pas, Sunny Dancer est de ces films, nécessaires, qui racontent la beauté de la vie en quelques moments suspendus hors du temps et des réalités brutes du monde. Des feel good movies qui font du bien, sans pour autant tourner le dos à la fragilité de nos existences. Car c'est bien de cette réalité que Ivy (Bella Ramsey) tente de s'échapper. Pour l’adolescente de 17 ans

Fidèle à ses thèmes de prédilection, Saeed Roustaee fait son retour avec le portrait d’une famille où il démontre à nouveau son grand sens de la mise en scène, malgré quelques excès mélodramatiques.

Il y a un cœur qui bat sous la machine hollywoodienne, mais il est parfois bien caché par l’armature en métal. Brand New Day souffre ainsi des éternels tares du MCU, avec une colorimétrie assez terne, des incohérences d’écriture et des scènes d’action sous-exploitées - même si, là aussi, Destin Daniel Cretton réalise un travail plus convaincant que Jon Watts.

Avec The Christophers, Steven Soderbergh prouve une nouvelle fois que la tension cinématographique peut naître de deux personnes dialoguant dans une pièce. Une véritable prouesse, qui se traduit par un tournage fulgurant de dix-huit jours à Londres couplé à un montage nocturne quasi in situ.

Si la forme est plus que réussie, c’est dans le fond que le bât blesse. Rietland ne veut pas être un énième film policier où le récit n’avance que pour nous permettre d’élucider le crime sordide mettant davantage l’accent sur les suspicions qui s’immiscent. Il cherche à installer une paranoïa ambiante en dépeignant une communauté rurale qui se transforme en un vase clos hanté par le spectre d’une violence dormante. La proposition est intéressante, mais le résultat loin d’être

Avec sa direction artistique superbement décatie, sa science du suspense et sa pléthore d’apparitions monstrueuses, Hokum s’impose sans mal comme l’opus le plus généreux du cinéaste, malgré quelques recours abusifs aux jumpscares. La galerie de personnages aussi inhospitaliers que grotesques donne quant à elle une subtile couche d’humour noir à l’ensemble.

Écrit, produit et réalisé avec un certain degré d’urgence, De la Comédie-Française procède dans un même état d’esprit. C’est le soir de la première pour Nina (Pauline Clément), comédienne propulsée metteuse en scène, et tout va mal, forcément, de son arrivée à la salle Richelieu jusqu’aux dernières minutes avant le spectacle au-dessus duquel plane la menace d’une annulation. Un schéma narratif du chaos très classique, qui donne lieu à certaines scènes plutôt amusantes, mais c

Étonnant sujet que celui de Los Domingos, récit d’émancipation adolescente à rebours des images souvent associées à cette thématique – fêtes débridées, mélodies pop, découverte de la sexualité… Ce qui intéresse Alauda Ruiz de Azúa, réalisatrice de ce portrait d’une jeune fille en construction, c’est la question de la foi et de la vocation. Et comment celle-ci va impacter la structure familiale, par extension.

Relecture à la fois accessible et exigeante, L’Odyssée s’impose ainsi comme un blockbuster d’auteur, dans la continuité des opus précédents de son réalisateur. Un film conciliant la vision intime d’un cinéaste, et les exigences financières d’une production hollywoodienne.

Evil Dead est de retour, pour vous jouer un mauvais tour. Réalisé par le talentueux Sébastien Vanicek et co-scénarisé par Florent Bernard, que vaut le sixième opus de la franchise la plus génialement démoniaque d’Hollywood ? Il faut se rendre à l’évidence : la saga Evil Dead telle que l’a conçue Sam Raimi dans les années 80, avec son inventivité cartoonesque et ses performances outrancières, n’existe plus. Depuis le remake sorti en 2013, la franchise a pris un tournant plus

Loin de l'engourdissement caniculaire, le documentaire contemporain s’inscrit cet été comme une véritable bouffée d’air frais… mais politique. Espace crucial de résistance et de déconstruction, ces trois documentaires à découvrir dans les salles belges nous invitent à à réfléchir, penser et agir dans le monde d’aujourd’hui et de demain.

Avec ce retour forcé au placard, on pourrait craindre à un drame plombant. Mais il n’en est rien. Maspalomas choisit une autre voie : celle d’une comédie douce-amère, où le tragique se frotte sans cesse au comique. Vicente tente de ravaler qui il est, mais son désir, ses réflexes, ses élans de vie finissent toujours par refaire surface.

Profitant de la perte de vitesse des films Marvel, la concurrence du studio DC avait marqué des points en engageant James Gunn, pour renouveler le déploiement chaotique de Batman et ses copains sur le grand écran, L’espoir était permis avec Superman, réalisé par Gunn lui-même. On se serait bien arrêtés là mais la loi d’Hollywood est sans appel, il faut que ça tourne. Place donc à la cousine de Clark Kent, alias Supergirl !

« Le mauvais temps viendra, le beau temps aussi. » Cité par le personnage de Kristen, adolescente californienne passionnée de surf, ce proverbe hawaïen aurait tout aussi bien pu être placé en exergue de In Waves. Adapté d'une bande dessinée autobiographique de AJ Dungo, le premier long-métrage de la réalisatrice française Phuong Mai Nguyen mêle avec brio les premiers émois d'une romance adolescente et le mélodrame crépusculaire.

En filmant chaque récit par le point de vue des plantes environnantes - les interactions humaines sont fréquemment reléguées à l’arrière-plan, là où la caméra se focalise sur le monde végétal - Silent Friend replace l’homo sapiens à sa place d’être vivant comme un autre au sein de la biosphère.

Le premier long-métrage de Nicolas Athané et Marco Nguyen, issu du studio Bobbypills et de UMedia, nous offre une expérience sans concessions, qui sans jamais trahir son propos politique, est indubitablement drôle et profondément grand public.

Même si les salles ne verront finalement pas débarquer The Furious annulé en dernière minute, impossible de passer à côté d'un film d'action mêlant avec brio ses influences pour un résultat si jubilatoire qu'il pourrait prétendre au titre de “film d’arts martiaux ultime”.

On croyait l’histoire Toy Story arrivée à son terme. Souvenez-vous : à la fin du quatrième film, Woody réalisait que son rôle était accompli. Après avoir accompagné Andy puis Bonnie pendant des années, il choisissait de quitter ses amis pour vivre librement et aider les jouets perdus à retrouver une place auprès d’un enfant. Mais ce cinquième volet, quelque peu inattendu, revient pourtant là où tout a commencé : dans une chambre d’enfant. Sauf qu’entre-temps, le monde a chang

Là où la plupart des récits de viol placent le spectateur dans un camp ou dans l’autre, The Good Sister se démarque. Ni du côté de la victime, ni du côté du bourreau, le film épouse les étapes du dilemme moral de Rose. De la sidération à l'action, l'actrice Marie Bloching livre une interprétation juste, faite de doutes, de contradictions et de débordements.

Backrooms nous enveloppe comme un souvenir perdu, à la fois familier et hors d’atteinte. Au milieu de cette étendue sans fin de couloirs jaunis, nous ne pouvons nous empêcher de chercher quelque chose à quoi nous raccrocher. Mais face à l’irrationalité de ces non-lieux, tous nos repères s’effritent et, à mesure que nous nous enfonçons de plus en plus loin, une inquiétude naît tandis que l’atmosphère devient de plus en plus oppressante.

Avec Disclosure Day, Spielberg renoue le dialogue avec ceux qui viennent d’ailleurs dans un monde au bord du précipice. Alors que les Etats-Unis activent le niveau d’urgence Defcon 2 et que les tensions à la frontière coréenne semblent franchir un point de non-retour, une présentatrice de météo (Emily Blunt) et un lanceur d’alerte (Josh O’Connor) s’unissent dans une quête de vérité pour révéler au monde l'existence des aliens.

Adoptant son regard, Toute la beauté et le sang versé (récompensé au dernier festival de Venise du Lion d’Or) est autant la création de Goldin que celle de la réalisatrice du film. Les deux femmes ont d’ailleurs souligné en entretien à quel point l’artiste en est la co-autrice. Fort de sa présence, le documentaire oscille sans cesse entre la femme d’il y a quelques décennies et celle d’aujourd’hui qui se bat pour tous ceux qu’elle a perdus en chemin.

Formellement, Mother’s Baby opère comme un étouffoir. La photographie atmosphérique de Robert Oberrainer écrase Julia dans des cadres larges aux lumières glaciales et finit d’inscrire Mother’s Baby dans une catégorie rare : celle des thrillers psychologiques intimes, à l'efficacité redoutable.

À voix basse est aussi un film intergénérationnel, à travers les liens et les secrets qui lient Lilia avec sa mère (Hiam Abbass) et sa grand-mère, la matriarche Néfissa (Selma Baccar). Allant d’une génération à l’autre, et du passé au présent, ce film à la force tranquille tisse un récit porteur d’espoir : celui d’un futur débarrassé des secrets, où chacun(e) est libre d’aimer, et de le clamer à voix haute.

La première partie de La Bataille de Gaulle tient moins de la fresque historique que du nouvel opus d’une saga de super-héros, si ce n’est que les costumes colorés ont été remplacés par des uniformes militaires plus austères. En ressort un blockbuster divertissant sur un fond historique romancé et convenu, qui ne bouscule jamais vraiment ses grandes figures, et dont la forme trop sage ne parvient pas à masquer les faiblesses narratives du récit.

À travers Orphan, l'histoire de cet enfant et de son père fantasmé, le cinéaste hongrois dessine la trajectoire de tout un pays, condamné à enterrer une fois pour toutes ses idéaux de révolte, avant de s’enfoncer dans l’obscurité.

Aftersun n’est pas qu’un film sur le deuil, c’est un film sur le mystère. Le long-métrage dépasse rapidement la simple description du chagrin et de la nostalgie pour toucher à quelque chose de plus existentiel. L’absence de tension narrative - la réalisatrice a expliqué avoir retiré la plupart des conflits - ainsi que le rythme flottant donnent la clé de voûte du film : il s’agit moins de raconter des vacances que d’en restituer un portrait fragmenté et subjectif, comme un pu

Truly Naked suit Alec, jeune lycéen introverti élevé dans l’univers du petit business pornographique de son père, obligé d’y prendre part, faute d’argent à la maison. À travers le porno, Muriel d’Ansembourg aborde la construction identitaire et la recherche d’une vraie connexion.

Sorti en novembre 2024, En fanfare a été indéniablement l’un des gros succès français de l’année. Une comédie dramatique populaire qui parvenait à la fois à provoquer le rire tout en mettant en lumière les dynamiques de classe à l'œuvre dans une relation entre deux frères au destin très différent. Un film porté par Benjamin Lavernhe et Pierre Lottin, que Surimpressions diffusera lors d’une projection gratuite à la brasserie l'Ultieme Hallucinatie.

C'est dans ce lieu de la France rurale et son architecture incrustée de formes rectangulaires que Léa Mysius orchestre une nuit en enfer lors de la fête d'anniversaire de Nora durant laquelle trois frères (Benoît Magimel, Paul Hamy et Alane Delhaye) sèment la terreur.

Agnès Jaoui manque sa cible lorsqu'elle adresse le sujet autour duquel se noue l'intrigue : les comportements à adopter face aux violences sexuelles dans le milieu du spectacle. La cinéaste a beau jeu de montrer patte blanche en situant son personnage – et donc elle-même – du côté de la génération du droit d'importuner. Elle pêche néanmoins par manque de courage ...

Les créateurs de la série La Mesías, Javier Calvo et Javier Ambrossi ont présenté en Compétition La Bola Negra, une fresque qui revisite un siècle d'Histoire espagnole à l'aune de vies homosexuelles empêchées par le secret et le silence. De ces parcours sacrifiés, ceux que l'on surnomme Los Javis ont tiré une œuvre romanesque en diable entre désir et quête identitaire sur laquelle plane la poésie de Federico García Lorca. L'un des moments forts de cette 79e édition.

Après les chocs Girl, Caméra d’or à Cannes en 2018, et Close, Grand Prix en 2022, le réalisateur belge Lukas Dhont revient cette année en compétition officielle avec Coward, un drame situé pendant la Première Guerre mondiale, au centre duquel brûle une romance contrariée entre deux jeunes soldats.

Fasciné par l'étourdissement métaphysique qu'il désire susciter avec L'Inconnue, Arthur Harrari en oublie cependant d'ancrer son millefeuille théorique dans la réalité matérielle. À l'instar de ses personnages catatoniques qui se désintègrent en eux-mêmes et se murent dans le silence, le cinéaste ose à peine contempler les implications concrètes de la situation qu'il pose.

Pour sa septième entrée en compétition à Cannes, le cinéaste espagnol livre avec Autofiction un récit entre deux temporalités sur l’amour, le deuil et la création.

La “Guerre des étoiles” a connu de multiples crashs stellaires et l'excitation fébrile s’est dilapidée en soupirs face à la prolifération de productions médiocres issues de l’univers (Solo, Ahsoka, Boba Fett, ou tout simplement la postlogie en elle-même). C’est dans ce contexte plutôt fragile que The Mandalorian and Grogu se dévoile, avec l’objectif clair de rameuter les gens en salles.

Après l’abrasif Tengo Suenos Eléctricos, Valentina Maurel revient avec un nouveau film belge tourné au Costa Rica, sélectionné à Un Certain Regard.

Pour son quatrième long-métrage, Jeanne Herry fait sa première incursion en Compétition avec Garance, un film-personnage sur une actrice aux prises avec l'alcoolisme, transcendée par la performance multifacette d'Adèle Exarchopoulos.

Pour son premier long-métrage Barça Zou sélectionné à l'ACID, Arthur Bouet pioche dans ses souvenirs et compose le portrait vibrant d'un groupe d'amis face au temps qui passe.

Le retour du cinéaste américain au thriller mafieux, genre qui a fait ses plus grandes heures, pourrait lui valoir d'être taxé de frilosité. Or, s'il en reprend les décors (le Queens, Brighton Beach), le milieu (l'immigration russe) et certains motifs tel que la fraternité, il y aborde un thème généralement associé au cinéma horrifique, qui lui permet ici de déployer des trésors de mise en scène : la contamination du quotidien par un mal invisible.

Amateurs d’onirisme contemplatif, le film de l'Autrichienne Sandra Wollner, sélectionné dans la section Un Certain Regard, pourrait vous plaire. Everytime © Charades Tout se joue dans un zoom, de plusieurs minutes. Au loin, on observe des immeubles au lever du soleil. Alors que la caméra se rapproche tout lentement, on commence à distinguer les silhouettes de deux adolescents qui discutent, allongés sur le toit en fin de soirée. La jeune fille se rapproche du bord pour prendr

Présenté dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes, Club Kid marque les débuts derrière la caméra de Jordan Firstman, cinéaste mais aussi chanteur. Et le moins qu’on puisse dire, c’est que son premier long métrage a électrisé la Croisette. Entre euphorie nocturne, chaos affectif et tendresse inattendue, le film réussit à transformer un récit sur la parentalité en une véritable explosion d’humanité.

Réalisé par Quentin Noirfalisse et Jean-Charles Mbotti Malolo, Métisses, cinq femmes contre un crime d’état retrace le procès intenté par cinq femmes belgo-congolaises contre l’Etat belge.

Pour son huitième long-métrage présenté en Compétition, Hirokazu Kore-eda, déjà lauréat de la Palme d'or en 2018 pour le sublime Une affaire de famille, revient avec Sheep in the Box, un conte utopique sur le deuil et le besoin d'émancipation dans la lignée de son oeuvre humaniste ; en moins percutant qu'espéré.

Saviez-vous que le capitalisme pouvait être éradiqué par un massage des pieds ? C’est, en gros raccourci, l’une des idées qui traverse le nouveau film de Ryūsuke Hamaguchi.

La Troisième Nuit © SND Pour son nouveau film en tant que réalisateur (et acteur), Daniel Auteuil s’empare d’un épisode méconnu de la Seconde Guerre mondiale : le sauvetage dissimulé d’une centaine d’enfants juifs sous l’Occupation. Et on peut dire qu’il réussit son coup haut la main : sans jamais tomber dans quoi que ce soit de spectaculaire ou des effets appuyés, il parvient à installer une tension palpable à travers une histoire vraie, où le destin d'êtres humains se joue

Combinant crise pétrolière, tensions guerrières et entraide sororale, The Station déploie un récit riche et complexe, porté par des personnages attachants et bien « dessinés ». L’originalité de la mise en scène consiste à maintenir les hommes hors champ : ils sont mentionnés, entendus, craints ou moqués, mais on ne les verra pas.

Il ne s’agit pas d’un cas isolé : un mystérieux nouveau virus semble se répandre parmi les jeunes salariés, poussés à bout par un marché du travail anxiogène, harcelés par leurs supérieurs et noyés dans les objectifs de rendement.